Análisis de lectura
“Fundamentos del
arte moderno” Werner Hoffman
En esta lectura,
Hoffman hace todo un análisis de la situación del arte a través de el tiempo.
De cómo el arte ha ido evolucionando a lo largo de los años, siempre con muchas
con incógnitas que van creando diferentes teorías.
Toda esta
situación por supuesto se vuelve efímera cuando al analizar la historia en el
arte, te das cuenta de cómo todo va cambiando con el paso del tiempo. No existe
nada que pueda considerase “seguro” o “para siempre”. Todo esta en un constante
cambio.
Es muy
importante entender que cada movimiento o cada situación que se vive en
cualquier lugar, depende no nada mas de un factor, sino de toda una situación
de vida. Depende del contexto histórico. De filosofías y creencias del momento.
De políticas, de descubrimientos y todo engloba y afecta a todo al final.
A partir de el
siglo XX que es cuando llegan las vanguardias y empieza a haber una fuerte
revolución en el arte. Es cuando los artistas empiezan a pintar solo por el
gusto de hacerlo, sin tenerle que dar razones a nadie. Se empieza a hacer arte
con toda libertad. El espectador empieza a ser una parte importante de la obra.
Se dice que es el espectador el que cierra el ciclo de la creación de la obra
de arte.
Esta situación
hace que el espectador se vuelva parte fundamental del arte, ya que es él el
que decide que le gusta, que quiere ver, y no es mas que a través de él que
puedes llegar alto en el arte contemporáneo. La problemática es que en nuestros
días nuestro publico es extremadamente reducido, ya que se necesita de mucho
estudio y de mucho conocimiento para poder adentrarte en el arte de hoy y poder
entenderlo como tal. Una ves mas, el arte esta rodeado de ciertas reglas que
establecen las exposiciones, museos, curadores y críticos. Si no cumples con
estos requisitos, es una traba mas para dar a conocer tu arte.
Resulta irónico
pensar como el arte en su momento de revolución, buscaba romper con reglas tan
especificas que creaban trabas al crear arte, y hoy en día, aunque el arte es
libre y puedes crear lo que te plazca, al final simplemente cambio el sentido
de la restricción, pero aun así, siguen habiendo parámetros muy específicos que
hacen surgir la duda de: ¿ Hasta que punto el arte es libre?
En 1910 se dan tres declaraciones según
Hoffman:
- - La cosificación de la obra de arte.
- - El ideal de lo inmediato.
- - El ideal del equilibrio.
La
cosificación de la obra de arte:
En 1910 Braque
pinta su cuadro “Naturaleza muerta con un violín y una jarra” y con este cuadro
se llega al apogeo de el cubismo analítico. Se empezaba a pintar con colege,
creando diferentes capas de la realidad. Barque en este cuadro,
descontextualiza las cosas que conforman el cuadro: El borde superior de una
jarra, un violín con sus cuatro cuerdas que no se apoyan en el puente sino que
lo atraviesan , y sus dos efes. Este cuadro además de tener su pequeña parte de
figuración, tiene también una fuerte inclinación hacia lo abstracto en sus
efectos caleidoscópicos que eran ya una importante característica en mucho
pintores del cubismo y del futurismo. Braque con este cuadro da una nueva
introducción hacia los objetos reales, ya que el cuadro parte de una imagen
realista pero se adentra en la abstracción. Es la primera ves que se usan
letras en un cuadro.
Maurice Denis
decía que “Hay que dejar bien claro que un cuadro, antes de ser un caballo de
batalla, un desnudo o una anécdota, es antes que nada una superficie cubierta
de colores que se agrupan en una determinada organización” Braque y Picasso
muestran que el plano de la imagen constituye una realidad per se.
El ideal
inmediato:
En 1910 se da el
inicio del lenguaje formal no figurativo, que se podría decir que nace a partir
de “La primera acuarela abstracta” de Kandinsky. En esta pintura se puede
apreciar una alto grado de abstracción. Kandinsky no buscaba crean en lo
absoluto nada figurativo, en su obra no percibimos ninguna forma clara, tampoco
repetida. Pareciera que lo único que buscaba era esa explosión de colores y
formas que no figuran nada, solo garabatos y trazos difuminados. No existe la
gravedad y le da mucha importancia a los vacíos del fondo.
En este cuadro
se podría decir que se esta buscando una expresión del mundo interior, porque
en ningún momento se ve reflejo alguno de el mundo exterior.
Kandinsky
buscaba hacer una interpretación cósmico-expresioncita. El decía que: “Cada
obra de arte se engendra técnicamente del mismo modo que se engendro el cosmos:
a través de catástrofe, que a partir del vocerío caótico de los instrumentos conforman
finalmente una sinfonía llamada música de las esferas. La creación de la obra
es la creación del universo”
El ideal del
equilibrio:
Tiempo después
de la acuarela de Kandinsky, Mondrian pinta varios cuadros también abstractos, donde llega al punto mas
lejano de alguna figuración. No hace referencia a ningún objeto. Deja solamente
unas cuantas líneas
