Fundamentos del arte moderno

Análisis de  lectura

“Fundamentos del arte moderno”  Werner Hoffman

En esta lectura, Hoffman hace todo un análisis de la situación del arte a través de el tiempo. De cómo el arte ha ido evolucionando a lo largo de los años, siempre con muchas con incógnitas que van creando diferentes teorías.

Toda esta situación por supuesto se vuelve efímera cuando al analizar la historia en el arte, te das cuenta de cómo todo va cambiando con el paso del tiempo. No existe nada que pueda considerase “seguro” o “para siempre”. Todo esta en un constante cambio.

Es muy importante entender que cada movimiento o cada situación que se vive en cualquier lugar, depende no nada mas de un factor, sino de toda una situación de vida. Depende del contexto histórico. De filosofías y creencias del momento. De políticas, de descubrimientos y todo engloba y afecta a todo al final.

A partir de el siglo XX que es cuando llegan las vanguardias y empieza a haber una fuerte revolución en el arte. Es cuando los artistas empiezan a pintar solo por el gusto de hacerlo, sin tenerle que dar razones a nadie. Se empieza a hacer arte con toda libertad. El espectador empieza a ser una parte importante de la obra. Se dice que es el espectador el que cierra el ciclo de la creación de la obra de arte.

Esta situación hace que el espectador se vuelva parte fundamental del arte, ya que es él el que decide que le gusta, que quiere ver, y no es mas que a través de él que puedes llegar alto en el arte contemporáneo. La problemática es que en nuestros días nuestro publico es extremadamente reducido, ya que se necesita de mucho estudio y de mucho conocimiento para poder adentrarte en el arte de hoy y poder entenderlo como tal. Una ves mas, el arte esta rodeado de ciertas reglas que establecen las exposiciones, museos, curadores y críticos. Si no cumples con estos requisitos, es una traba mas para dar a conocer tu arte.

Resulta irónico pensar como el arte en su momento de revolución, buscaba romper con reglas tan especificas que creaban trabas al crear arte, y hoy en día, aunque el arte es libre y puedes crear lo que te plazca, al final simplemente cambio el sentido de la restricción, pero aun así, siguen habiendo parámetros muy específicos que hacen surgir la duda de: ¿ Hasta que punto el arte es libre?

 En 1910 se dan tres declaraciones según Hoffman:

-       - La cosificación de la obra de arte.

-       - El ideal de lo inmediato.

-       - El ideal del equilibrio.

La cosificación de la obra de arte:

En 1910 Braque pinta su cuadro “Naturaleza muerta con un violín y una jarra” y con este cuadro se llega al apogeo de el cubismo analítico. Se empezaba a pintar con colege, creando diferentes capas de la realidad. Barque en este cuadro, descontextualiza las cosas que conforman el cuadro: El borde superior de una jarra, un violín con sus cuatro cuerdas que no se apoyan en el puente sino que lo atraviesan , y sus dos efes. Este cuadro además de tener su pequeña parte de figuración, tiene también una fuerte inclinación hacia lo abstracto en sus efectos caleidoscópicos que eran ya una importante característica en mucho pintores del cubismo y del futurismo. Braque con este cuadro da una nueva introducción hacia los objetos reales, ya que el cuadro parte de una imagen realista pero se adentra en la abstracción. Es la primera ves que se usan letras en un cuadro.

Maurice Denis decía que “Hay que dejar bien claro que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, un desnudo o una anécdota, es antes que nada una superficie cubierta de colores que se agrupan en una determinada organización” Braque y Picasso muestran que el plano de la imagen constituye una realidad per se.

El ideal inmediato:

En 1910 se da el inicio del lenguaje formal no figurativo, que se podría decir que nace a partir de “La primera acuarela abstracta” de Kandinsky. En esta pintura se puede apreciar una alto grado de abstracción. Kandinsky no buscaba crean en lo absoluto nada figurativo, en su obra no percibimos ninguna forma clara, tampoco repetida. Pareciera que lo único que buscaba era esa explosión de colores y formas que no figuran nada, solo garabatos y trazos difuminados. No existe la gravedad y le da mucha importancia a los vacíos del fondo.

En este cuadro se podría decir que se esta buscando una expresión del mundo interior, porque en ningún momento se ve reflejo alguno de el mundo exterior.

Kandinsky buscaba hacer una interpretación cósmico-expresioncita. El decía que: “Cada obra de arte se engendra técnicamente del mismo modo que se engendro el cosmos: a través de catástrofe, que a partir del vocerío caótico de los instrumentos conforman finalmente una sinfonía llamada música de las esferas. La creación de la obra es la creación del universo”

El ideal del equilibrio:

Tiempo después de la acuarela de Kandinsky, Mondrian pinta  varios cuadros también abstractos, donde llega al punto mas lejano de alguna figuración. No hace referencia a ningún objeto. Deja solamente unas cuantas líneas