David Altmejd

David Altmejd

David Altmejd es un artista Canadiense. Trabaja creando esculturas de criaturas fantásticas, podrían también parecer algún tipo de criatura mitológica.  Todas sus esculturas tienen un alto nivel de abstracción. Cuando observas su obra, no parece algo cercano a la realidad, pero al mismo tiempo, Altmedj tiene una muy buena noción tanto del cuerpo humano como de los animales.

Altmejd crea sus esculturas con todo tipo de objetos, desde cosas de la vida cotidiana, diferentes materiales, cosas de la naturaleza, hasta basura. Juntando todo esto con algún tipo de orden lógico es como forma estos seres que de alguna forma te muestran la fragmentación que existe en cada persona. Es como si estuviera creando un mundo diferente al que estamos acostumbrados a percibir.

Cuando observo sus esculturas, me hace pensar en que pasaría si todos los seres estuviéramos formados no solamente de un cuerpo físico como lo percibimos, sino que fuéramos creándonos a partir de todo lo que nos conforma. Desde creencias, pensamientos, odios, vivencias, experiencias y todo lo que vivimos día a día. Creo que Altmejd representa muy bien esta posibilidad, y así es como me imagino que nos veríamos de ser así, todos llenos de cosas con las que vamos cargando.

Pensando en la primeridad, segundidad y terceridad de Peirce creo que a través de Altmejd podemos analizar muy bien esta teoría, ya que la primeridad habla de lo posible, y Altmejd en su trabajo en general y lo podemos percibir en todas y cada una de sus obras, viaja muchísimo en las posibilidades, pareciera que no tuviera limites al imaginarse su siguiente obra, de esta forma por muy poco aterrizable que pudieran parecer sus ideas, aterriza en el mundo real para que a través de todo tipo de objetos pueda crear esa idea y convertirla en una criatura.

Altmejd tiene además una fuerte carga simbólica en todas sus obras, ya que en ellas se encuentras todo tipo de objetos que nos remontan, nos llevan o nos hacen pensar en algo detrás de la escultura

Examen parcial

Primer parcial

Eikoh Hosoe

La imagen de Eikoh Hosoe y todo su trabajo en general, nos muestra una ventana diferente en el arte. Generalmente lo que se conoce del arte, y las referencias que existen en el occidente, viene solo del occidente. Es muy interesante hacer una comparación y un análisis del trabajo de algún artista oriental. Pensarlo en el contexto histórico en el que trabajó y creó sus obras, y compararlo con lo que estaba sucediendo en el occidente. A pesar de que son culturas muy diferentes, es interesante ver que pasaban cosas parecidas. Los movimientos que se daban en Europa, empezaban a expandirse primeramente en America, y luego en el resto del mundo.

Hosoe es un artista fotógrafo y productor audiovisual Japonés, nacido en 1933. Empezó a hacer fotografía desde muy temprana edad y a partir de que gana un premio en un concurso de Fuji Film, aumenta su interés por la fotografía y  empieza sus estudios en la escuela de fotografía de Tokio. Tiene varias exposiciones y en la década de los 60s se consideraba su trabajo como fotografía de innovación en Japón. Y se podría ver reflejado el surrealismo en su obra.

En esta época, el surrealismo ya estaba desarrollado en diferentes partes del mundo. En Europa que fue donde surgió y en varios lugares de Latinoamérica. A pesar de esto, en Japón ya había varios artistas trabajando a partir de los conceptos y características del movimiento. Carlos M. Luis en su texto de Kitasono Katue y el surrealismo dice que “A pesar de que en 1925 ya se publicaban los textos de Breton, Eluard y Aragon en la revista Bungei-tambi, lo cierto es que la poca información que poseían los poetas y artistas japoneses acerca de las fuentes del Surrealismo, los hizo confundir las metas últimas de ese movimiento”

Hosoe no estuvo relacionado con el movimiento directamente, a pesar de que en su trabajo se ve una clara tendencia surrealista. En una ocasión viajó a Barcelona donde quedo fascinado por el artista Gaudi y toda su arquitectura, y este se podría considerarse su mayor acercamiento con esto.

En un análisis general, podemos hablar de la teoría que plantaba Hoffman en Fundamentos del arte moderno Donde plantea que el arte ha ido evolucionando a lo largo de los años, siempre con muchas incógnitas que van creando diferentes teorías. Todas estas teorías van cambiando conforme va pasando el tiempo. No existe nada que se pueda considerar “seguro” ó “Para siempre”

Esta imagen podemos relacionarla con el concepto que plantea Hoffman como la cosificación de la obra de arte, donde habla de cómo en un cuadro se pueden  descontextualizar las cosas cotidianas y darles un significado o una intención completamente diferente. En otras palabras “Poetizar un objeto”. Esta imagen a pesar de que se nota que es un cuerpo humano, una mano y una manzana, están captadas en un encuadre en el que pierde completamente su verdadero significado, y no están representándose como tal. Se convierten en formas orgánicas haciendo de esta imagen una obra formal.

Como menciona Hoffman en la lectura “La obra parte por tanto de una imagen realista, pero se adentra en un dominio que podríamos designar como su transfiguración abstracta, o incluso como el vencimiento y el derrocamiento de las impresiones perceptibles”

Tenemos un cuerpo, una mano y una manzana, pero se hacen extraños al darnos cuenta de la diferencia fundamental entre la parte realista del cuadro y la ilusionista. Lo que estos artistas que empezaban a jugar con la realidad (como Braque y los cubistas mencionados en la lectura) y muchos otros que eran parte de la evolución del arte del momento buscaban, era explorar y explotar las muchas posibilidades del arte, jugando con el realismo artístico y el realismo empírico.

Esta forma de poetizar objetos fue algo que a partir de los cubistas se empezó a dar en diferentes movimientos y corrientes en el mundo y mas tarde es muy aprovechada por los dadaístas y los surrealistas. Hosoe lo aplica no nada mas en esta obra, sino en gran parte de su trabajo artístico. Lo que podemos entender de su trabajo es que no buscaba que una cosa imitara a nada, sino que se representara a sí misma.

El trabajo de Hosoe se puede relacionar también con el planteamiento de Kant en cuanto a lo distinción entere lo real y lo posible. Tenemos el cuerpo, la mano y el fruto (considerándolo dentro de lo real) pero al mismo tiempo, al poner estos objetos descontextualizados, podríamos también tener un fruto al lado de otro fruto. Ó tres simples formas que no buscan representar nada. O dos partes del cuerpo humano y una manzana (todo esto considerándolo dentro de lo posible)

A partir de este concepto, Peirce plantea la primeridad, la segundidad y la terceridad.

La primeridad relacionado con lo posible

La segundidad relacionado con lo real

Y la terceridad como el símbolo u orden simbólico

Pensando que el trabajo de Hosoe pudiera entrar dentro del surrealismo, podríamos considerar que la primeridad se podría basar en lo que buscaban los surrealistas como fines al crear su arte. Ellos querían traer lo imposible a la realidad. Buscar en lo mas profundo de la imaginación y demostrar como ésta no tiene limites. Todo lo que se pudiera cruzar en tu cabeza, podría ser representado en alguna de las artes. Es por esto mismo que deciden adentrarse en el mundo onírico. Trabajar con los sueños y todo lo imposible que surge en estos. Y En la obra de Hosoe se ve claramente esta navegación dentro de lo posible y lo imposible.

En la primeridad esta la parte emocional, donde vemos todos los sueños y las ganas de representarlos de alguna forma, pensando en esto como algo posible de cualquier modo.

En la segundidad esta la parte práctica, que es el momento en el que el artista básicamente trabaja en lo que son sus creencias y lo que quiere representar. Hosoe quizá no eran sueños lo que quería representar, pero logra crear un mundo diferente al cotidiano.

La terceridad se basa en el simbolismo, en lo cultural y lo social. Esto se puede analizar desde el punto en el que a pesar de que los artistas de  muchos momentos históricos, buscan salirse de lo cotidiano y buscar una realidad diferente, resulta casi imposible lograrlo, ya que vivimos en un universo de signos y esto nos estructura y nos hace tener una forma de pensar y de ser. Incluso todo lo surreal parte siempre de la realidad que ya tenemos estructurada. Hosoe en su obra presentada, a pesar de que muestra una imagen sin sentido, es a partir de todo lo que ya concebimos como posible.

Otra forma de interpretar la imagen de Hosoe es al ver un cuerpo desnudo, muy probablemente femenino, acostado y una mano ofreciendo una manzana, podría representarse como el fruto prohibido y el cuerpo desnudo como la tentación, esta interpretación surge a partir de los signos que ya tenemos muy establecidos en la cabeza, porque son cosas que hemos aprendido desde chicos. 

A pesar de esto el arte siempre busca nuevos simbolismos para plantear nuevas realidades. Como en el texto lo plantean ¿cómo pintar tiempo o sonidos? Ó ¿Cómo tocar colores?

Quizá  Hosoe  no buscaba ser parte de ningún movimiento, quizá solo caminaba por su propio camino haciendo lo que le iba naciendo, pero es muy interesante ver como vivió en la época del surrealismo,  el siendo de una cultura muy alejada, y estaba trabajando con cosas muy parecidas.

Entrevista

Fabiola

Francis Alys

“Fabiola”

Francis Alys presenta su exposición “Fabiola” en el Museo Amparo de la ciudad de Puebla. En ella muestra una grande colección que ha hecho a lo largo de una década de la santa Fabiola. Tiene mas de 600 copias, todas conseguidas en lugares diferentes y hechas por personas diferentes.

Francis Alys tenía una inquietud por coleccionar replicas de alguna obra, y en su búsqueda, por casualidad se encuentra con varias pinturas de esta mujer pintada en su perfil, con un velo rojo, que representa a Fabiola, la santa de las mujeres maltratadas. Al darse cuanta de que la verdadera obra, hecha por el Frances Jean-Jacques Henner se encuentra extraviada y que además existen miles de replicas, inicia su colección buscando cualquier representación de esta.

Francis Alys ha presentado esta exposición en 6 diferentes lugares de el mundo. La exposición en Puebla la hizo en un lugar muy atinado, ya que este museo, es una casa muy antigua donde toda vía en las salas existen los muebles y adornos de la época en la que fue habitada. Francis Alys no quiso alterar nada de esto, sino mas bien aprovechar los espacios que quedaron perfecto con las imágenes de Fabiola. Todo lo que se encuentra en el lugar son antigüedades. Muchas cosas seguro con un gran valor. Todo en perfecto estado, y al poner en este mismo espacio estas antigüedades, logra dar una sensación curiosa, pero al mismo tiempo muy adecuada.

Es muy curioso ver como  cada pequeña obra tiene una personalidad completamente diferente de el resto. Pareciera como si en cada una pudieras ver reflejado al artista o a la persona que lo pintó o lo trabajó. Todas son completamente diferentes, desde la técnica, hasta el físico.

Es muy interesante adentrarse en un pequeño análisis de la forma en la que Alys convierte una colección en una obra de arte. Surgen las cuestiones de si verdaderamente es una obra de arte? Ó ¿El hecho de estar en un museo o galería lo convirtió en obra de arte?

En mi opinión si se puede considerar una obra de arte, ya que además de que fue un trabajo que a pesar de que no fue literalmente trabajado por Alys, el hecho de que haya sido una búsqueda de tantos años, le da un valor aun mas grande. No esta dejando de exponer una de las artes (pintura) y es muy interesante saber que todas han sido hechas en momentos, lugares y por personas completamente diferentes, y todas están ahora expuestas en un solo lugar.

Análisis de exposición

Exposición en el Munal. Ciudad de México

Surrealismo

En esta exposición, presentan cuadros de diferentes artistas de toda la historia del surrealismo. Todo el arte que presentan se puede relacionar con el modelo de creatividad que plantea Peirce.

El surrealismo fue un movimiento que surgió a principios de 1900 y Buscaba revolucionar el arte. Querían hacer cosas que jamás se habían hecho antes. Buscaban libertad, querían adentrarse en el inconsciente, en el mundo onírico.

La primeridad habla de lo posible. Los surrealistas jugaban mucho con este termino, ya que se adentraban en las posibilidad dentro de lo posible y lo imposible. Creaban mundos que no existían, de este modo jugaban con la realidad.

También pude entrar la segundidad, ya que varios  de los impresionistas eran figurativos. No dejaban  de representar la realidad. A pesar de que la modificaban, seguían existiendo cosas de la realidad en la que vivimos.

También se puede relacionar con la terceridad ya que usaban mucho el simbolismo, jugaban con el.

En el surrealismo lograron salirse un poco de el mundo que estamos acostumbrados a percibir. Fue como si hubieran cambiado el filtro de la realidad.

También se puede relacionar con los cuatro pasos de investigación de Peirce.

El asombro surgía cuando se adentraban en el mundo de los sueños y luego lo plasmaban a papel, era un sentimiento de inquietud. Creaban una hipótesis sobre lo que interpretaban o creían de sus sueños, y aplicaban esa hipótesis al representarla, ósea al crear la obra de arte.

En la exposición del Munal, puedes apreciar todos estos procesos y estos mundos en la infinita variedad que hay de obras de artes.

Mi teoría del arte

Art as a means: a device for reduction tension

El arte es de quien así lo decide. Todas las personas pueden hacer arte. El arte esta abierto para que cualquier persona lo aborde, así como se puede crear arte con casi cualquier cosa.

El arte requiere de un trabajo constante. Creo que para poder profundizar en el arte como es debido, se necesita antes de hacer arte conceptual, o cualquier otra cosa, conocer y dominar las bases: Pintura y dibujo. Por lo menos poder hacer un cuerpo humano, una mano o un pie, perfectamente. Creo que para entender o poder llegar hasta lo mas profundo de cualquier cosa, se necesita conocerlo al máximo y llegar hasta sus mas profundos secretos.

El arte es un lenguaje diferente de donde puedes sacar un universo de posibilidades. La imaginación no tiene limites. Los limites nos los ponemos nosotros.

Un modelo Peirceano de la creatividad artísitca.

Que hace una obra de arte?

Un modelo Peirceano de la creatividad artística

Análisis del modelo de la creatividad artística por C.S Peirce. Ha trabajado en esto por varios años.

-Kant planea a la característica esencial del pensamiento humano, como ls facultad de distinguir entre lo real y lo posible. 

-Peirce, a partir de esto, dice que:

- La primeridad esta relacionada con lo posible

-La segundidad con lo real.

-La terceridad como el símbolo u orden simbólico

Se necesitan de estas tres categorías para entender la experiencia humana.

-Posible: vida emocional.

-Real: vida practica.

-El simbolismo: vida intelectual, cultural, social.

Vivimos en un universo de signos, y esto nos estructura, nos hace tener una forma de pensar y de ser. Los humanos estamos alejados de un entendimiento de lo real. Alcanzamos a ver la diferencia entre lo real y lo posible, pero no tenemos acceso directo a lo real. Tenemos una representación de lo real a partir de interpretaciones que surgen a través de códigos culturales que son como filtros, crean una realidad pre-interpretada. Si buscas pensar diferente, necesitas cambiar el filtro, replantear o reconstruir el lenguaje.

Para una experiencia artística, se necesita el dominio de simbolismo establecido y para esto se necesita una fusión y entendimiento de lo posible y lo real.

La ciencia y el arte, utilizan estos tres conceptos para funcionar, solo que de diferente forma:

La ciencia, busca ampliar el conocimiento de lo real

El arte: Busca lo posible, busca nuevos simbolismos para plantear nuevas realidades.

Una incógnita de la pintura es: ¿Cómo se puede pintar tiempo, sonidos o gritos?

Una incógnita para la música es: ¿Cómo tocar colores?

Para que el artista capte la primeridad, se necesita de un propio simbolismo y olvidarse del preexistente.

Ejemplo:

Weston hace una obra a partir de lo preexistente, ya que solo reinterpreta lo real.

Chávez Mayol si hace una nueva interpretación con su obra de las fotos fraccionadas, ya que descontextualizo lo que cualquier persona busca ver. Volteo la realidad. Hace también referencia de cuerpos seccionados de las personas. Una metamorfosis

Peirce plantea que la investigación se puede desglosar en cuatro pasos:

-Asombro: a través del asombro se hace una:

-Ablución, ósea una hipótesis

-Para aplicar la hipótesis se hace una prueba

-Finalmente se hace una conclusión.

Esto se puede aplicar a una obra de arte:

-Surge un sentimiento inquietante

-Sentimiento de reconocimiento

-Se busca expresar ese problema

-Se crea una obra de arte

La diferencia en el cuarto paso es que el artista contiene conclusión a través de una comprobación, es un proceso autorreferencial.

Pierce plantea a Dios como un artista, un ser que crea algo sin saber lo que va a resultar. Así nos creó a los hombres.

El universo está aun en desarrollo, por lo tanto la obra lo esta también, queda abierta lista para seguir desarrollándose  o lista para la interpretación.