Entrevista / El arte como experiencia

Entrevista a Alejandro Sabugal

En esta investigación voy a hacer un profundo análisis de la lectura de Jhon Dewey “El arte como experiencia”  comparándola con la obra de Alejandro Sabugal que se dedica a la pintura realista. Voy a empezar hablando de la experiencia en general tomando en cuanta mi punto de vista, el punto de vista de Dewey y el punto de vista de Alejandro, de esta forma voy ir desarrollando así toda la lectura.

Las experiencias son parte fundamental de la vida de cualquier persona, es a través de ellas que vamos formándonos a nosotros mismo. Desde cómo somos, qué creemos, qué nos gusta, qué pensamos, qué sentimos, todo es a través de diferentes experiencias. Las experiencias se viven desde el momento en el que nacemos, hasta el momento en el que morimos, pero está en nuestras manos, decidir de que forma vivimos estas experiencias, podemos hacerlo de forma mecánica y sin prestar mucha atención a cada cosa, ó podemos hacer de todas estas experiencias, algo estético.

Alejandro opina que una experiencia es una vivencia que puede ser de la razón, como presenciar algo, o conocer algo, o cualquier experiencia del diario. Con respecto a la pintura él piensa que es un proceso lleno de experiencias que te van creando habilidades a través de la practica.

En el caso de la experiencia estética, Alejandro piensa que retomando la experiencia como vivencia, es vivir esta misma experiencia pero con  una carga de belleza ó una carga visual. Él piensa que en este caso la experiencia va mucho mas de la mano con los sentimientos, con las sensaciones que te causa algo o que te provoca estar frente a algo bello o algo asombroso. Cuando sin el uso de la razón te conectas y vives alguna experiencia y llegas a entrar en un estado de conciencia diferente.

Las experiencias ocurren continuamente y son parte del proceso de la vida. Son parte del hecho de estar vivo.  En todo momento estamos experimentando cosas, ya sean importantes o no tan importantes, trascendentales o no tanto. Algunas les damos mas importancia y vivimos su proceso con mas intensidad y mas detenidamente y otras tantas ni siquiera se concluyen, porque generalmente llegan otras que vivir. Todo lo que hacemos, pensamos, deseamos, observamos, percibimos, son parte de experiencias ó son experiencias en sí.

Todas las experiencias tienen su propio inicio y su propio fin, cada una tiene sus propias cualidades y su propio movimiento rítmico. Hay experiencias más intensas, más grandes, más vividas, más recordadas que otras mas insignificantes, que seguramente ni siquiera vamos a recordar. Estas experiencias suelen ser de carácter ligero. Toda experiencia recorre un camino, inicia en algo y termina en algo mas, y para esto hay todo un proceso.

Cuando creas una obra de arte, pasas por varios procesos. Alejando comenta que  su proceso de creación inicia desde que aplica la pintura y está con el bastidor empieza a  vivir una experiencia laboral. Está la experiencia  de la hechura del bastidor y de la creación de bocetos o de dibujos, que eso ya es una experiencia mas técnica. Luego viene una experiencia mas seria que es cuando te conectas con la pintura de forma conciente, y por esto mismo, después de trabajar 5 horas seguidas, entras en otro estado de consciencia. Esta parte se podría considerar como una experiencia estética.

Cada experiencia tiene su propio nombre porque generalmente todo lo clasificamos para distinguirlo, pero este nombre no es la experiencia en sí, solo son etiquetas ó referencias. A veces involucramos sentimientos en estas experiencias, y después de un tiempo, cuando recordamos esta experiencia, le damos valor a ese sentimiento y llegamos hasta convertir a la experiencia en ese sentimiento

Cuando Alejandro termina su obra generalmente lo que mas recuerda es lo técnico, lo mas simple de la experiencia. Pero dice que el proceso pictórico solo se puede recordar volviendo a ver la pintura ya terminada. Lo que te provoca la pintura o los trazos, o los tonos, eso es como recordar lo que hiciste en el proceso.

 Los pensamientos también son experiencias. Generalmente tenemos  pensamientos ó ideas todo el tiempo, pero cuando a partir de ese pensamiento se llega a ciertas conclusiones, se considera una experiencia. La conclusión no es algo independiente de la experiencia sino la consumación de esta. Las experiencias de pensamientos tiene también su propia cualidad estética, esto depende de la forma en la que llevamos nuestros pensamientos. Si solo son ideas, rollos, miedos que vienen y van, que nos comen y nos consumen por un tiempo para luego desaparecer, es como estar volando en tu imaginación sin llegar a nada, de otro modo podemos identificar los pensamiento que valen la pena para utilizarlos, y hacer de ellos algo útil o algo  estético, y observar los que no nos sirven para simplemente dejarlos ir, sin tomarlos muy en serio.

En la experiencia de pensamiento, puede ser también que lo que para unos puede significar algo, para otros significa otra cosa. En las bellas artes, suele suceder que existe arte que para algunos no tiene significado, no los mueve, no les causa ninguna clase de experiencia -pasa mucho con el arte conceptual- necesitas conocimientos previos para entenderlo,  por esto mismo existen otros artes como la música y el cine, que son mas digeribles, no se necesita de la parte intelectual para tener una experiencia.

Alejandro opina que en realidad las diferentes ramas del arte se enfocan en complacer a los sentidos. La música nos brinda una experiencia sonora, un gusto para el oído. El cine entra en otra categoría, y hace que la experiencia se viva diferente porque está la  experiencia visual, la sonora y no es tangible como la escultura.

Alejandro no cree que algunas ramas de las artes sean mas digeribles para el público en general. Cuando alguna persona no esta familiarizada con ninguna rama del arte en específico, puede tener una experiencia muy parecida o igualmente digerible viendo una película, escuchando una canción, o viendo una pintura. Pero para  ciertas personas que han estudiado  alguna de las artes y están familiarizadas con ésta,  tal ves tienen una forma mas intensa de apreciación, y por esto mismo viven una experiencia mas intensa o quizá un experiencia estética.

“En mi caso, si yo escucho una canción, la puedo apreciar, pero no como un músico, la aprecio a partir de mi poco conocimiento musical. Igualmente un músico, quizá no pueda apreciar la pintura de la forma que la aprecio yo. Creo que todos podemos tener una experiencia estética apreciando una obra de cualquier rama, pero creo que en el medio en el que estas, es mas fuerte esa experiencia . Quisiera agregar en este punto lo sublime, que viene después de lo estético,  que es cuando el ser se conecta con su medio, y esto se experimenta muchas veces en lo visual. Como en una atardecer, que te conecta con ese momento, pero no puedes entenderlo, entonces llega  lo sublime, lo que va mas allá de lo que la razón puede. Yo siento que yo puedo tener esa conexión con una pintura o un paisaje porque soy muy visual, pero no puedo tener esa experiencia de igual modo, escuchando una tonada. No puedo tener esa carga tan especial para llegar a lo sublime”

También la actividad física es parte de las experiencias, solo que en este caso es muy común que sea algo mecánico, que hacemos sin darnos cuenta. No vivimos el proceso a fondo, sino que estamos acostumbrados a hacerlo y ya ni siquiera lo pensamos. No nos damos cuenta de que es y a donde se dirige.  Incluso hay veces que empezamos a hacer las cosas solamente esperando a que llegue el final. En este caso las experiencias no son algo consciente. En algunas ocasiones, a través de sucesos que van ocurriendo sin mucho sentido, se empieza a formar algo importante y de esta forma lo empezamos a vivir y se hace la culminación del proceso. De esta forma, toda actividad práctica adquirirá cualidad estética, siempre que se mueva hacia su cumplimiento.

Cuando vivimos alguna actividad práctica, es una experiencia, pero tenemos la opción de convertirla en una con cualidad estética, cuando decidimos observar, disfrutar, sentir, vivir, percibir, y estar alerta de todo lo que sucede. De otro modo, solo se considera en el lado de la sucesión mecánica, cuando la experiencia empieza sin un fin en especifico, y termina en cualquier lugar sin importancia, ó que las acciones solo van surgiendo de forma mecánica. Por eso, estamos acostumbrados a que todas estas actividades o formas de vida se les llame experiencias. Cuando surge una experiencia estética, sucede  que tiene cualidades muy distintas a las otras experiencias, y por eso no se puede considerar solo una experiencia, sino experiencia estética.

Alejando cuando esta pintando entra en un estado de conciencia que solo puede lograr en ese momento, cuando esta conectado con la pintura, con su cuadro, viviendo el momento y cada proceso en su creación. Él cree que al vivir este proceso de esa forma, logra tener una verdadera experiencia estética. Sin embargo el cree que para que una experiencia no sea estética y se vuelva mecánica debe de caer en lo  cliché. “Cuando algo es muy común, muy visto, muy repetitivo siento que corre el riesgo de perder esta carga estética, esta novedad de la actividad, esto que es crear desde la imaginación.”

Generalmente existen factores muy específicos que hacen que las experiencias no se vivan de forma estética, es algo muy común en la vida cotidiana. Estas cosas son la mediocridad, la flojera, la depresión, la conformidad, la obligación, la indiferencia, las pocas ganas de hacer las cosas. Es como si la gente viviera siempre esperando algo que ni siquiera saben que es, y que nunca pasa, y en ves de vivir y disfrutar y aprovechar cada momento, solo estamos esperando algo más. Al ser parte de esta interminable espera, surge todo lo ya mencionado y por esto mismo, pocas veces tenemos experiencias estéticas.

Alejandro considera que la creación de una obra de arte es una  lucha contra el bastidor. “He debatido antes con otros artistas a cerca de cómo el pintar es muy exhaustivo, muy frustrante, porque estas luchando contra que el color y las pinceladas salgan como tu quieres, y a lo largo de el proceso pictórico es algo muy difícil y a veces muy frustrante.” Sin embargo él cree que siempre hay forma de manejar esos sentimientos negativos, y siempre hay diferentes soluciones para que de un momento de frustración pueda volver a su fluidez.

Dentro de las experiencias, muchas veces aparece lucha, dolor o sufrimiento, estos factores pueden ser razón para detener la experiencia, o pueden ser una buena razón  para vivirlo mas a fondo. Es muy raro el caso de una experiencia intensamente  estética que en ningún momento tenga algo de sufrimiento o de sacrificio, y esto mismo nos hace de cierto modo crecer, o dar un siguiente paso. El hecho de que una experiencia por muy dolorosa que sea, se viva de forma placentera o se viva de forma dolorosa, depende de cada uno, de lo que estemos buscando o esperando de la vida.

Alejandro llega a enfrentarse a situaciones en las que por alguna u otra razón, de momento quiera detener su obra, el dice que ese generalmente es un problema personal, y cada quien lo soluciona a su modo. “En mi caso, cuando me deja de gustar una pintura es porque estoy fracasando en mi método, pero ahí ya no entra el entregarte a la pintura, sino empieza una lucha de forma mas técnica. El terminar el proceso, sabiendo que lo tengo que hacer aunque igual y ya no lo este disfrutando tanto. También a veces dejo descansar las pinturas dos o tres semanas sin verlas y cuando las vuelvo a ver ya me inspiro para seguirlas trabajando, puedes mientras trabajar en otras cosas, y después continuar, porque creo que no es lo mejor trabajar en un cuadro que ya no estas disfrutando”

Dentro de toda experiencia, van surgiendo diferente y infinitos sentimientos, que solemos tener ya perfectamente clasificados por un nombre preestablecido,  por esto mismo muchas veces vivimos una experiencia que solemos clasificarla a través de ese mismo nombre.  “Esa experiencia fue triste” “esa experiencia fue feliz” “esa experiencia fue desagradable”  Esos sentimientos generalmente son solo una cualidad de la experiencia, una parte de ella, pero no es la experiencia en sí, es más, hay veces que en ciertas experiencias surgen sentimientos que ni siquiera pueden entrar dentro de las palabras ya establecidas para esto.  Las emociones van siempre de la mano con las experiencias, no existen emociones por si solas. Incluso sentimientos momentáneos como un susto, surgen a partir de cosas ya preestablecidas en la cabeza, no surgen de la nada. Sabemos que existen cosas a las cuales temerles y por esto mismo si presenciamos una situación de susto, nuestra reacción es brincar.

Alejandro cuando pinta un cuadro tienes todas las emociones que vives cuando tienes una relación con alguna persona. A veces te enojas, a veces estas contento, a veces te ríes hasta porque  estas haciendo una nariz chueca, o derepente hasta llegas a sentir celos. “Me ha llegado a pasar que cuando estoy trabajando una parte del lienzo, y me clavo mucho ahí, la otra parte se empieza a poner celosa, es como si en realidad sea yo el que esta teniendo celos  de una parte mi trabajo, hacia la otra.”

 Las experiencias se pueden interpretar desde diferentes puntos de vista. Mr. Hinton planea que la vida en la tierra es solo una pequeña experiencia dentro de todo un existir.

En el mundo en el que vivimos es muy común que las personas tengamos esa nata necesidad de hacer . Pero es muy común también que de la misma forma que empezamos, llegue otra cosa por hacer y dejemos incompleta la que estaba en proceso. Queremos hacer muchas cosas en el menor tiempo posible, en ves de hacer algunas, pero concretándolas y llegando al fin buscado inicialmente. Creemos que de esta forma estamos viviendo más, pero no nos damos cuanta de que simplemente estamos dando apenas una pequeña probadita de cada cosa, sin vivirla profundamente. De igual forma, el que sueña despierto, el que imagina, el que piensa en hacer pero no hace, de igual forma no logra concretar casi ninguna experiencia, mucho menos llevarla a una experiencia estética.

Alejandro nos cuenta que muchas veces se encuentra en la situación de querer hacer algo y nunca hacerlo. “Diario me llegan ideas cuando voy caminando, cuando estoy en el transporte, en una fiesta, me llegan ideas de un boceto. Pero pienso mas rápido, y me llegan ideas mas rápido de lo que las puedo procesar, y mas por la corriente en la que estoy que es el realismo. Y por eso mismo muchas veces se dejan ideas. Yo en lo particular anoto todo lo que se me ocurre y así es como si después tuviera un catalogo de ideas que mas tarde puedo utilizar.”

Cuando un artista esta trabajando en alguna pintura, va controlando todo su proceso, entre lo que ya esta hecho en el cuadro y lo que toda vía le falta. El artista tiene que hacer completamente consciente cada cosa que hace en su obra, para poder lograr el resultado deseado.  Es de esta forma que cada artista  puede o no llegar al  resultado final de forma satisfactoria, dependiendo que tan consiente fue de lo que quería y que tan consiente fue su proceso al hacerlo.

Alejandro en su proceso de crear una obra de arte, cree que siempre se debe buscar el balance entre la parte mecánica y la técnica y más en el realismo que cada pincelada debe ir pensada, por este asunto del claro, medio tono y obscuro, y por las proporciones. “Debo buscar un balance entre lo antes mencionado y  este estado de  conciencia diferente al que entras y en la que te conectas y vas viendo como se combinan los colores, como se comportan entre si, como armonizan en alguna partes del bastidor, como sientes cuando estas pintando un claro o un negro, o cuando se termina el color, es algo balanceado. Este asunto de sentir la pintura, de sentirte a ti pintando y sentir el cuadro y el entorno, y también estar pensando en técnica, en lo que sabes que puede mejorar tu cuadro  y también aprender a cuidar y no estropear la obra.

Ale nos comenta a cerca de cómo cuando estas trabajando en una pintura siempre existe la parte mecánica, cuando sabes bien lo que estas haciendo ya ni siquiera lo piensas tanto, ya sabes perfectamente como hacer un ojo o una mano, y ya no vas pensando tan detenidamente cada cosa. Esto es muy común en el hiperrealismo. Cuando pintar es como tener todo en orden, todo en el mismo nivel, desde lo mecánico, lo técnico, la consciencia en la que entras, el trabajo, todo tiene que estar nivelado para poder hacer la obra. Generalmente la primera hora de trabajo es complicada porque todo este revuelo, estas pensando muchas cosas, pero después de un tiempo ya todo se estabiliza y empieza a fluir muy bonito.

En el lenguaje, no existe una palabra que agrupe al arte y a lo estético como algo unido, en realidad lo divide entre el creador de una obra, y por aparte a lo estético como un resultado a partir de lo creado. De esta forma existe el arte como creación, y lo estético a partir de la apreciación. Cuando un artista crea una obra de arte, busca la perfección en ella. Y cuando se crea una obra, lo que se buscando es que el espectador guste de esta obra, si es posible que tenga una experiencia placentera o estética.

En el libro de política de la forma, hay una entrevista entre Bourdieu y Hans Haacke donde se plantea a la semántica, refiriéndola al significado y al sentido de la obra. El significado es el concepto, el mensaje. ¿Qué quiero hacer en la obra? Y la  sintaxis, como la forma, le técnica, los medios.

Haacke plantea que no te puedes olvidar de la semántica ni de la sintaxis, dice que la mayoría de las veces, se hace arte sin pensar o tener en cuanta ¿para qué? O para quién se esta creando el arte? ¿cuál es el fin de hacer ciertas obras? La mayoría de las veces el publico es heterogéneo. Existen los que pueden apreciar la forma, y los que pueden apreciar la función, y al final casi nadie puede apreciar el verdadero valor de las obras de arte. Y a raíz de esto se crean con un vacío social. Se crean obras con objetivos específicos.

Bourdieu dice que se podría crear arte que fuera digerible para todo el publico, pero que al mismo tiempo se le pudiera sacar algo más, algo que tenga un mensaje de tras que solo algunos pudieran entender, y de esta forma hacer una fuente de descubrimientos estéticos

Alejando cuando esta en el proceso de crear su obra de arte, siente la preocupación de crear algo que vaya a ser del agrado del espectado, si es posible, causar una experiencia estética, o un goce. “De hecho lo que a mi me gusta es creer que una obra va a tener un impacto estético en la gente que lo vea, pero eso es un plus de pintar, porque no puedes pintar sin saber que alguien lo va a ver, que va a estar al publico. Entonces primero estas en el sentimiento de la obra, pero después casi al finalizar y al iniciar esta el sentimiento de provocar sentimientos o situaciones al espectador.”

Alejandro piensa también que el arte en general debe de ser estético o hecho para que se goce de el. “Particularmente yo así lo quiero. Tal ves hay muchas formas de concebir la creación de una obra o una pieza, pero yo si busco eso, a parte del proceso pictórico, quiero provocar cosas en el espectador, un goce”

Generalmente cuando un artista esta en el proceso de la producción de una obra de arte, suele seguir y seguir en su proceso hasta que en algún punto se encuentra satisfecho y decide parar, decide que la obra se ha concluido. Un artista necesita sensibilidad para saber como y cuando, y para saber de que forma satisfacer al espectador. 

Alejandro comenta que en realidad él nunca sabe cuando su cuadro ya esta terminado. “Creo que nunca he terminado una pintura, siento que es muy imposible terminarla tal como te la imaginaste al principio. Cuando estas en el proceso, se te ocurren muchas cosas: qué ponerle? Qué quitarle? Pero dejo un cuadro cuando se que ya no es apropiado para el cuadro mismo seguir, que ya lo que le agregue ya no va a hacer que el cuadro sea mas sentimental o que tenga otras cosas. Lo dejo cuando siento que si sigo la voy a regar.”

El crear una obra de arte tiene varios proceso. Empieza desde el momento que surge una idea en tu cabeza, después esa idea la plasmas en un papel, generalmente en forma de boceto, aquí puedes darte cuenta que tan posible es plasmar eso que estabas pensando. Después viene el proceso de la creación, que en el caso de los artistas plásticos, existe la posibilidad de que si en algún momento su obra de arte no les gusta, poder modificarla o incluso volverla a hacer, para los arquitectos por ejemplo, esto no es posible, porque ellos están haciendo edificios que no fácilmente se pueden simplemente volver a empezar.  Todos estos procesos forman parte de una experiencia completa, y es muy posible vivirla de forma intensa y consciente.

Alejandro vive su proceso de creación de la pintura por partes. “Me gusta mucho tocar la tela y sentirla, porque una ves que ya has pintado mucho en diferentes telas y superficies, el tener la cercanía con el tacto y con el olor a una tela, te dice como aplicar la pintura.  Por ejemplo, hiciste tu bastidor con  pintura vinimex acrílica, te produce un desliz de la pintura y del óleo muy sutil, y muy rápida. Pero si es otra  textura u otra imprimatura como blanco de España con resina  te da un efecto mas corrugado y mas rasposo y tienes que cargar mas  el pincel y hacer menos los esfumados para que no  se chupe la pintura y se seque rápido y tengas mas tiempo de control. Entonces el primer proceso que tengo es el de acercarme a la tela, ver como esta y a partir de esto ya se como utilizar la pintura dependiendo de si es acrílico u óleo.”

Las experiencias que se van viviendo, generalmente se van uniendo con las experiencias ya vividas, llevan cierto ritmo. Unas terminan, mientras empiezan otras, vas viendo de que forma van terminando experiencias, para ver de que forma empiezas las siguientes. Lo mejor es no apresurarnos en estos procesos para poder llevar de forma consciente cada paso y para que no se vuelva confuso, o para no perder el camino.

Los artistas deben ser conscientes de los procesos ya vividos y de los que vienen, buscando que sus obras no sean repetitivas, o monótonas, y buscando poder vivir del proceso de la forma mas consciente y mas vivida posible.

Un poco de la vida artística de Alejandro

México Distrito Federal, 1989.

Pertenece a una nueva generación de pintores mexicanos con gran talento y una visión capaz de captar de transformar todo aquello que trabaja y trascender nuestras fronteras.

Su actividad artística se ha desarrollado en diversas áreas. En términos plásticos ha participado como expositor principal en diversas galerías, además de realizar obra para la iniciativa privada. También ha colaborado como director de arte en la realización de diversos cortos y largometrajes, aportando la estética de su mirada.

Siendo el realismo contemporáneo una de las corrientes con la cuál más se identifica, ha trabajado distintos estilos siempre explorando, siempre conociendo, siempre interrogando y proponiendo.

Para Alejandro Sabugal el arte no sólo es una forma de expresión, de realización: es ante todo una forma de vida donde se aplica la sensibilidad y el sentimiento puro, sin límites, se expresa en toda su potencia.

Obra

óleo sobre tela 190 x 100 cm

Óleo sobre tela 130 x 170 cm

Óleo sobre tela 130 x 180 cm

Óleo sobre tela

Óleo sobre tela 180 x 130 cm

Óleo sobre tela 150 x 150 cm

Óleo sobre tela 140 x 140 cm

Óleo sobre tela 170 x 125 cm

Óleo sobre tela 90 x 70 cm

Proceso de obra

Entrevista grabada

Primera parte de entrevista.

Segunda parte de entrevista.

Bibliografía

file://localhost/Users/JESS/Downloads/Alejandro%20Sabugal,%20Catalogo.html#!portfolio/c1han

-       Jhon Dewey “El arte como experiencia” Capitulo 3

-     Política de la forma. Entrevista entre Bourdieu y Hans Haacke “Estética y ciencias sociales: Dudas convergentes

Ofrenda dia de muertos

Allen Ginsberg

Poeta Norteamericano que fue parte del movimiento “beat” en los años 50´s y de los hippies en los años 60´s. Desde pequeño siempre estuvo en contra de los valores inculcados en la sociedad. Siempre busco una forma de vida distinta donde pudiera de alguna forma expresar lo que pensaba. Sin miedo al “que dirán” hace muchos poemas en referencia a críticas sociales. Defendía la libertad y la autenticidad y por esto mismo a su manera, podría decirse un poco brusca, expresaba cualquier sentimiento que le causara lo suficiente para expresarlo poéticamente.

Tuvo un camino espiritual, y  a través de este le encontraba el sentido a muchos aspectos de la vida y así mismo basaba su poesía en eso. Tocando temas fuertes que no mucha gente se atrevía a hablar, llegaron a ser prohibidos. También basaba sus creencias en plantas medicinales y otros alucinógenos como peyote, hongos y LSD.

Ginsberg tuvo fuerte influencia del modernismo y del romanticismo siendo parte de un momento en el que la gente buscaba respuesta a la opresión que se vivía. Continuando con el camino del cambio que ya hacía muchos años que se empezaba a trazar. Trataba de hacer reflexionar o de que se viera la otra parte de la carta que no en muchos lados te cuentan, a cerca de lo que es o puede ser la vida que presenciamos a diario.

En su poema “Hum bomb” usando en realidad muy pocas palabras pero sin ser necesarias mas, hace una reflexión de lo que es la guerra y de lo que significa la guerra.

Whom bomb?
We bomb them!
Whom bomb?
We bomb them!
Whom bomb?
We bomb them!
Whom bomb?
We bomb them!

Whom bomb?
You bomb you!
Whom bomb?
You bomb you!
Whom bomb?
You bomb you!
Whom bomb?
You bomb you!

What do we do?
Who do we bomb?
What do we do?
Who do we bomb?
What do we do?
Who do we bomb?
What do we do?
Who do we bomb?

What do we do?
You bomb! You bomb them!
What do we do?
You bomb! You bomb them!
What do we do?
We bomb! We bomb them!
What do we do?
We bomb! We bomb them!

Whom bomb?
We bomb you!
Whom bomb?
We bomb you!
Whom bomb?
You bomb you!
Whom bomb?
You bomb you!

May 1971

II

Why bomb?
We don't want to bomb!
Why bomb?
We don't want to bomb!
Why bomb?
You don't want to bomb!
Why bomb?
You don't want to bomb!

Who said bomb?
Who said we had to bomb?
Who said bomb?
Who said we had to bomb?
Who said bomb?
Who said you had to bomb?
Who said bomb?
Who said you had to bomb?

We don't bomb!
We don't bomb!
We don't bomb!
We don't bomb!
We don't bomb!
We don't bomb!
We don't bomb!
We don't bomb!

for Don Cherry and Elvin Jones
New York, June 16, 1984

III

Armageddon did the job
Gog & Magog Gog & Magog
Armageddon did the job
Gog & Magog Gog & Magog
Gog & Magog Gog & Magog
Armageddon does the job
Gog & Magog Gog & Magog
Armageddon does the job

Armageddon for the mob
Gog & Magog Gog & Magog
Armageddon for the mob
Gog & Magog Gog & Magog

Gog & Magog Gog & Magog
Gog Magog Gog Magog
Gog & Magog Gog & Magog
Gog Magog Gog Magog

Gog Magog Gog Magog
Gog Magog Gog Magog
Gog Magog Gog Magog
Gog Magog Gog Magog

Ginsberg says Gog & Magog
Armageddon did the job.

Jaap Blonk

Nació en Holanda. Es un autodidacta compositor intérprete y poeta. Al estudiar música se da cuenta de su potencial como intérprete vocal en la recitación de poesía y en improvisaciones propias. Estudia matemáticas para iniciar su investigación de las posibilidades de composición algorítmica para la creación de música con animación visual y poesía. Es un excelente improvisador.

Blonk es un artista que nos muestra una obra muy diferente a lo antes visto, a pesar de que vivimos en una época donde se dice que “ya no existe nada nuevo bajo el sol.” Algunos artistas como Blonk empiezan a buscar formas de  relacionar el arte con otras ciencias. En este caso con la música, la animación y la poesía. Esto se puede comparar con el momento en el que en el siglo XIX se empiezan a buscar nuevas formas de expresión en el arte pictórico.

Enfocándonos en esta búsqueda de la trasformación, se podría decir que seguimos siendo parte de un largo proceso. En su momento en la pintura se fue revolucionado la parte formal y la parte objetiva. Ahora en otros ámbitos del arte se da esta misma búsqueda a partir de lo que ya existe. Se buscan nuevas formas de representar arte y combinarlo con otras cosas.

En el arte se refleja la realidad que se vive en el momento. En el siglo XIX se vivía un momento de cambio, de búsqueda, de revolución. Hoy se vive en un mundo de tecnología y de infinitas posibilidades.

Jean la barbara y Jaap Blonk “Messa di voce 2003"

Jaap Blonk  “Uronography”

La situación al filo del siglo XIX

La situación al filo del siglo XIX

La independización de los contenidos formales

Primera parte.

El arte ha tenido un largo camino de muchísima transformación a través de los años. En el momento en el que llega la fotografía, la pintura entra en una clase de crisis en donde ya no tiene sentido seguir haciendo copias fieles de la realidad ya que una fotografía te lo daba de una forma muchísimo mas instantánea.

A mediados del siglo XIX empieza el  realismo Frances e Ingles como movimiento en el que muchos artistas empiezan a transformar su forma de pintar.

Delacroix decía que “El placer que proporciona un cuadro es completamente diferente del que proporciona una obra literaria. Existe un tipo de emoción que es propio exclusivamente de la pintura; no hay nada en la poesía que dé idea de ello. La impresión se produce por un determinado ordenamiento de los colores, de la luz y de la sombra. Esto es lo que podría llamarse la música del cuadro.”

Después de que por muchísimos años, la pintura tenía un fin especifico de representación formal, con un “estilo”  lleno de reglas, es en este momento cuando los pintores empiezan a salir del estudio al exterior, a cambar los temas a pintar, a evolucionar la técnica, la pincelada, la parte formal y la parte objetiva en las obras.

Constable

Corot

Con estos artistas se puede apreciar el cambio que empezaba a haber en la pintura.

Corot decía que "No existe ninguna linea firme en la naturaleza." El representaba el paisaje como una atmosfera, hablaba de la vida cotidiana en sus obras. 

Turner

William Turner se considera un pintor adelantado en su epoca, tenía un nivel de abstracción increíble que no se había visto antes y que ni siquiera se veia en otros pintores del momento. Junto con Bonington fueron pintores que abrieron nuevos ámbitos tanto a la apropiación atmosférica de la realidad como también a la navegación de la pincelada.

Goya

Goya no solamente dejo de pintar a la aristocracia, sino que empezó a pintar cuadros tétricos

Jacque Louis David

En sus cuadros muestra Heroísmo y tiene un perfecto manejo de la luz y de la sombra.

A pesar de que en estos artistas toda vía el cambio en la pintura es casi imperceptible, fue así como inició un largo proceso que ha venido ocurriendo a lo largo de mas de un siglo.

En el arte medieval los medios artísticos siempre estaban presentes únicamente a causa del propósito de la obra a crear y del contenido a enaltecer. En el proceso de la pintura se logró que en el arte moderno, los medios artísticos adquieran aquí y allá una existencia propia, independiente del propósito o del tema; la finalidad y el tema se convierte únicamente en un pretexto.

Maurice Denis decía que: “Antes de representar una anécdota, un cuadro es una superficie cubierta de colores, que responden a un determinado orden.” Estos pintores representan la realidad de forma  ilusoria ya que la imagen que se ve en el lienzo solo se puede ver a cierta distancia, si te acercas al cuadro, solo se perciben manchas de color.

Poco después llega el impresionismo (entre 1879 y 1880) Fue la primera vanguardia.

Usaban colores primarios y sus complementarios, por primera ves se empezaba a pintar a gente del pueblo y ya no a gente de la aristocracia, olvidandose de las reglas establecidas anteriormente  y buscando la creatividad a través de  imaginacion. la pincelada se vuelve completamente libre, "Fue precisamente la provisionalidad de su pincelada la que convirtió a los impresionistas en precursores . Buscaban representar la luz, y por eso mismo no pintaban  en interiores. Representan muchas escenas en la naturaleza. De esta forma, se fue disolviendo la parte objetiva en los cuadros, dejando al ojo del espectador a merced del contenido formal.

“Estos pintores querían ser actuales, apelaron a la diversidad de la vida urbana, descubrieron el ajetreo y el bullicio de las avenidas, el ambiente festivo de los restaurantes al aire libre y la magia discreta de los paisajes suburbiales. Todo esto lo consideraron digno de ser llevado al cuadro unos pintores cuyo nervio vital estaba completamente orientado hacia lo espontáneo y lo accidental, hacia la vibración superficial y hacia el instante figurativo”

Kandinsky habla de la fuerza y la magnificencia de estos cuadros haciendo referencia a "Almiares"  de Monet. Hacían saturaciones de luz, de color y así revelan una magia poética e irreal

Renoir buscaba la irregularidad en los cuadros, incluso proponía llamarle los "irregularistas" al grupo, que vincula la representación pictórica impresionista, creando formas confusas. Renoir con este termino  refería a la vida y la espontaneidad.

Georges Seurat fue uno de los pintores que representaba el momento del cambio. Con su cuadro "Domingo por la tarde en la Grande-Jatte" surge el termino neoimpresionismo. Él usaba la técnica del puntillismo, que fue una novedad del momento. Mientras que muchos pintores estaban usando una pincelada libre y suelta, creando líneas que juntas formaban la imagen, el lo sintetiza hasta su máxima posibilidad que es el punto. Cada puntito se encuentra en conjunto con otro y otro más que van creando una composición. Identificaba la originalidad aún más consecuente y sistemáticamente con el concepto de pureza.

Seurat en su trabajo hacía notar mucho la determinación, la claridad y la sencillez, su trabajo era muy limpio y pesar de que en su figuración no busca representar la realidad fiel, aun así lograba plasmar de forma muy ideal el ambiente.  Él buscaba que el cuadro fuera más que el registro de una situación momentánea, buscando la máxima creatividad en este aspecto. Quería que las líneas no se arraigaran solamente a la estructura figurativa, sino también a contenido espiritual.

Al igual que Paul Gauguin buscaban para sus composiciones las sensaciones del interior además de lo que existía en lo visible y de esta forma, darle un segundo significado a la obra. Gauguin decía que a través de los signos exteriores, había descubierto un estado interior, buscaba la fuerza imaginativa.

Se basaba mucho en la espiritualidad, él a diferencia de muchos otros impresionistas, buscaba una fuerza interna que reflejara algo mas que lo ya plasmado en la imagen. Tenía mucha fluidez en su línea. 

Él se considero parte de los impresionistas a pesar de que empezó con este estilo como a los 70 años, además de que su pincelada siempre fue muy sombría a diferencia de los "luministas". No le bastaba con expresar los paisajes exteriores, por eso buscaba fueras interiores. "El arte es una abstracción: extráigala de la naturaleza mientras sueña con ella, y piensa más en la creación que en el resultado; éste es el único camino para ascender a Dios e imitar a nuestro maestro divino: Para crear" "La pintura tiene que buscar más la sugestión que la descripción al igual que la música" No se conformo con lo que podía encontrar en el ambiente europeo y por esto mismo viajo y vivió en largas temporadas en otros lugares como Tahití.

Van Gogh, Otro pintor que fue parte del postimpresionismo, tuvo relación con Gauguin y por algunas temporadas, pasaron tiempo juntos, esto se dio porque Van Gogh quería crear una comunidad de artistas animados por los mismos sentimientos, para que de esta forma pudieran haber una retroalimentación de parte de todos, y liberar a los artistas del aislamiento.

Van Gogh tuvo un estilo en sus cuadros como lo observamos en el resto de los impresionistas en su pincelada y en su técnica,  sin embargo al representar sus escenas de la vida cotidiana, logro plasmar no solamente un momento sino una forma de vida, que con solo pintar unos zapatos, o unos comedores de patatas, tenía toda una carga social detrás. "Dios nos enseña lo más elevado a través de las cosas más sencillas de la vida"  

Para él, el arte era la esencia de la vida, y por eso, el arte significaba mas que pintar un cuadro para comerciantes de arte y exposiciones. Buscaba un arte lejos de lo académico, prefería al igual que Gauguin el arte primitivo. Para él mas que pintar una naturaleza muerta o un paisaje, buscaba reflejar toda una forma de vida. 

A través de sus cartas podemos saber que lo que realmente le importaba era extremar arbitrariamente las impresiones sensoriales, impregnarlas de expresión, alma y sentimiento, realzar lo típico de lo excepcional, lo simbólico de lo casual. Y en este sentido, fue aún más que Gauguin, el mayor precursor del expresionismo.

Paul Cézanne nunca se encontró con el impresionismo como medio expresivo hecho, solamente fue testigo de su nacimiento, él se separa humana y artísticamente del círculo de los impresionistas y emprende su propio camino retirado.

Él buscaba el heroísmo de la realidad, quería ir más allá de la mezcla óptica de los colores y del culto a la luz que disuelve las formas. “Tenemos que volver a ser clásicos a través de la naturaleza, es decir a través de las impresiones sensoriales, sin fatiga, y reencontrar ante la naturaleza los medios que usaron loa cuatro o cinco grandes venecianos”

Decía que los ideales de la espontaneidad y originalidad favorecen el encuentro incondicional con la realidad sensorial, porque esta puede bastarse sin los esquemas que rigieron el arte pasado.