La
situación al filo del siglo XIX
La
independización de los contenidos formales
Primera parte.
El arte ha
tenido un largo camino de muchísima transformación a través de los años. En el
momento en el que llega la fotografía, la pintura entra en una clase de crisis
en donde ya no tiene sentido seguir haciendo copias fieles de la realidad ya
que una fotografía te lo daba de una forma muchísimo mas instantánea.
A mediados del siglo XIX empieza
el realismo Frances e Ingles como
movimiento en el que muchos artistas empiezan a transformar su forma de pintar.
Delacroix decía
que “El placer que proporciona un cuadro es completamente diferente del que
proporciona una obra literaria. Existe un tipo de emoción que es propio
exclusivamente de la pintura; no hay nada en la poesía que dé idea de ello. La
impresión se produce por un determinado ordenamiento de los colores, de la luz
y de la sombra. Esto es lo que podría llamarse la música del cuadro.”
Después de que
por muchísimos años, la pintura tenía un fin especifico de representación formal,
con un “estilo” lleno de reglas,
es en este momento cuando los pintores empiezan a salir del estudio al exterior,
a cambar los temas a pintar, a evolucionar la técnica, la pincelada, la parte
formal y la parte objetiva en las obras.
Constable
Corot
Con estos artistas se puede apreciar el cambio que empezaba a haber en la pintura.
Turner
William Turner se considera un pintor adelantado en su epoca, tenía un nivel de abstracción increíble que no se había visto antes y que ni siquiera se veia en otros pintores del momento. Junto con Bonington fueron pintores que abrieron nuevos ámbitos tanto a la apropiación atmosférica de la realidad como también a la navegación de la pincelada.
Goya
En sus cuadros muestra Heroísmo y tiene un perfecto manejo de la luz y de la sombra.
A pesar de que
en estos artistas toda vía el cambio en la pintura es casi imperceptible, fue
así como inició un largo proceso que ha venido ocurriendo a lo largo de mas de
un siglo.
En el arte
medieval los medios artísticos siempre estaban presentes únicamente a causa del
propósito de la obra a crear y del contenido a enaltecer. En el proceso de la
pintura se logró que en el arte moderno, los medios artísticos adquieran aquí y
allá una existencia propia, independiente del propósito o del tema; la
finalidad y el tema se convierte únicamente en un pretexto.
Maurice Denis
decía que: “Antes de representar una anécdota, un cuadro es una superficie
cubierta de colores, que responden a un determinado orden.” Estos pintores representan la realidad de forma ilusoria ya que la imagen que se ve en el lienzo solo se puede ver a cierta distancia, si te acercas al cuadro, solo se perciben manchas de color.
Poco después
llega el impresionismo (entre 1879 y 1880) Fue la primera vanguardia.
Usaban colores
primarios y sus complementarios, por primera ves se empezaba a pintar a gente
del pueblo y ya no a gente de la aristocracia, olvidandose de las reglas establecidas anteriormente y buscando la creatividad a través de imaginacion. la pincelada se vuelve
completamente libre, "Fue precisamente la provisionalidad de su pincelada la que convirtió a los impresionistas en precursores . Buscaban representar la luz, y por eso mismo no pintaban en interiores. Representan muchas escenas en la naturaleza. De esta forma, se fue disolviendo la parte objetiva en los cuadros, dejando al ojo del espectador a merced del contenido formal.
“Estos pintores
querían ser actuales, apelaron a la diversidad de la vida urbana, descubrieron
el ajetreo y el bullicio de las avenidas, el ambiente festivo de los
restaurantes al aire libre y la magia discreta de los paisajes suburbiales. Todo
esto lo consideraron digno de ser llevado al cuadro unos pintores cuyo nervio
vital estaba completamente orientado hacia lo espontáneo y lo accidental, hacia
la vibración superficial y hacia el instante figurativo”
Kandinsky habla de la fuerza y la magnificencia de estos cuadros haciendo referencia a "Almiares" de Monet. Hacían saturaciones de luz, de color y así revelan una magia poética e irreal
Renoir buscaba la irregularidad en los cuadros, incluso proponía
llamarle los "irregularistas" al grupo, que vincula la representación
pictórica impresionista, creando formas confusas. Renoir con este termino refería
a la vida y la espontaneidad.
Georges Seurat fue uno de los pintores que representaba el momento del
cambio. Con su cuadro "Domingo por la tarde en la Grande-Jatte" surge
el termino neoimpresionismo. Él usaba la técnica del puntillismo, que fue una
novedad del momento. Mientras que muchos pintores estaban usando una pincelada
libre y suelta, creando líneas que juntas formaban la imagen, el lo sintetiza
hasta su máxima posibilidad que es el punto. Cada puntito se encuentra en
conjunto con otro y otro más que van creando una composición. Identificaba la
originalidad aún más consecuente y sistemáticamente con el concepto de pureza.
Seurat en su trabajo hacía notar mucho la determinación, la claridad y
la sencillez, su trabajo era muy limpio y pesar de que en su figuración no
busca representar la realidad fiel, aun así lograba plasmar de forma muy ideal
el ambiente. Él buscaba que el cuadro fuera más que el registro de una
situación momentánea, buscando la máxima creatividad en este aspecto. Quería
que las líneas no se arraigaran solamente a la estructura figurativa, sino
también a contenido espiritual.
Al igual que Paul
Gauguin buscaban para sus composiciones las sensaciones del interior
además de lo que existía en lo visible y de esta forma, darle un segundo
significado a la obra. Gauguin decía que a través de los signos exteriores, había
descubierto un estado interior, buscaba la fuerza imaginativa.
Se basaba mucho en
la espiritualidad, él a diferencia de muchos otros impresionistas, buscaba una
fuerza interna que reflejara algo mas que lo ya plasmado en la imagen. Tenía
mucha fluidez en su línea.
Él se considero
parte de los impresionistas a pesar de que empezó con este estilo como a los 70
años, además de que su pincelada siempre fue muy sombría a diferencia de los
"luministas". No le bastaba con expresar los paisajes exteriores, por
eso buscaba fueras interiores. "El arte es una abstracción: extráigala de
la naturaleza mientras sueña con ella, y piensa más en la creación que en el
resultado; éste es el único camino para ascender a Dios e imitar a nuestro
maestro divino: Para crear" "La pintura tiene que buscar más la
sugestión que la descripción al igual que la música" No se
conformo con lo que podía encontrar en el ambiente europeo y por esto mismo
viajo y vivió en largas temporadas en otros lugares como Tahití.
Van Gogh, Otro
pintor que fue parte del postimpresionismo, tuvo relación con Gauguin y por
algunas temporadas, pasaron tiempo juntos, esto se dio porque Van Gogh quería
crear una comunidad de artistas animados por los mismos sentimientos, para que
de esta forma pudieran haber una retroalimentación de parte de todos, y liberar
a los artistas del aislamiento.
Van Gogh tuvo un
estilo en sus cuadros como lo observamos en el resto de los impresionistas en
su pincelada y en su técnica, sin embargo al representar sus escenas de
la vida cotidiana, logro plasmar no solamente un momento sino una forma de
vida, que con solo pintar unos zapatos, o unos comedores de patatas, tenía toda
una carga social detrás. "Dios nos enseña lo más elevado a través de
las cosas más sencillas de la vida"
Para él, el arte era la esencia de la vida, y por eso, el arte
significaba mas que pintar un cuadro para comerciantes de arte y exposiciones.
Buscaba un arte lejos de lo académico, prefería al igual que Gauguin el arte
primitivo. Para él mas que pintar una naturaleza muerta o un paisaje, buscaba
reflejar toda una forma de vida.
A través de sus cartas podemos saber que lo que realmente le importaba
era extremar arbitrariamente las impresiones sensoriales, impregnarlas de
expresión, alma y sentimiento, realzar lo típico de lo excepcional, lo simbólico
de lo casual. Y en este sentido, fue aún más que Gauguin, el mayor precursor
del expresionismo.
Paul Cézanne nunca se encontró con el impresionismo como medio
expresivo hecho, solamente fue testigo de su nacimiento, él se separa humana y
artísticamente del círculo de los impresionistas y emprende su propio camino
retirado.
Él buscaba el heroísmo de la realidad, quería ir más allá de la mezcla
óptica de los colores y del culto a la luz que disuelve las formas. “Tenemos
que volver a ser clásicos a través de la naturaleza, es decir a través de las
impresiones sensoriales, sin fatiga, y reencontrar ante la naturaleza los
medios que usaron loa cuatro o cinco grandes venecianos”
Decía que los ideales de la espontaneidad y originalidad favorecen el
encuentro incondicional con la realidad sensorial, porque esta puede bastarse
sin los esquemas que rigieron el arte pasado.
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